Arkham Asylum, un lugar sensato en una tierra sensata comienza con un motín: los conocidos desequilibrados con los que Batman nutrió al manicomio de Gotham durante tanto tiempo, liderados por su sonriente archienemigo, exigen que el murciélago se adentre en la institución a cambio de la vida de los rehenes retenidos. Desde el mismo momento en que Batman entre en contacto con el psicótico mundo que contribuyó a crear, un Joker (cuerdo no, pero sí sabio) con el que pronto empatizamos no cejará en su empeño por demostrar al enmascarado qué pequeña es la diferencia entre los locos y el héroe que los encierra. La historia de Grant Morrison (Marvel Boy), con su encarnación en el genial estilo de Dave McKean (Orquídea Negra), nos ofrece la cara del papel del justiciero que el lector no suele ver, lo que hay después de que el criminal es encerrado: un Dos Caras en pleno proceso de rehabilitación, un Sombrerero Loco cuya pedofilia se distingue en todos sus diálogos o una psiquiatra que ha decidido quedarse en el manicomio por su propia cuenta y que advierte a Batman de que, posiblemente, el Joker no esté loco, sino que se deja llevar por lo absurdo de la propia realidad.

La vida del creador del manicomio, Amadeus Arkham, ofrece el marco del viaje a un infame País de las Maravillas en el que Batman tendrá que revisitar cada uno de los lunáticos que con tanta facilidad enjauló en el pasado. El héroe, más una sombra que un hombre real, atravesará su pesadilla más íntima y profunda: la posibilidad de que el Joker esté en lo cierto al poner en duda la cordura de una identidad marcada por una patente asexualidad, el trauma infantil de la pérdida de sus padres y la necesidad de esconderse tras una máscara para sentirse poderoso. Resulta irónico que su más acérrimo enemigo sea, en realidad, el hombre que le obligue superar la tragedia que condicionó el resto de su vida como justiciero enmascarado. Sin embargo, no hay demasiada ironía en admitir que, al fin y al cabo, hay tanto de ortodoxo en un criminal vestido de payaso como en adoptar el aspecto de un murciélago en una cruzada personal exenta de altruismo. Mucho más madura que tantas otras historias anteriores sobre el Caballero Oscuro, Arkham Asylum satisface, con una maestría insuperable, nuestro pequeño crítico interior al poner en entredicho la validez de iconos musculados y simplistas, creados en unos tiempos en los que héroes omnipotentes y carentes de complejidad moral eran necesarios para mantener la esperanza de los niños en sus propios padres.

Vibramos con emoción con temas como One life, One Soul y saltamos como locos con Anytime, Anywehere, aunque fue con Lift ‘U’ Up cuando parecía que el suelo no duraría mucho más sin venirse abajo. Gotthard mezcla el trato cercano y agradecido con sus seguidores con baladas que emocionan a los más sensibles y con temás del hard rock más cañero para ofrecer un espectáculo musical realmente envidiable.

Poco o nada que reprochar a estos grandes músicos que dieron lo mejor de sí en una noche en la que la Santana vibró como nunca. Esperemos que vuelvan pronto por aquí. Ya tienen al público en el bolsillo.

Inevitablemente relacionado con su hermano mayor el cyberpunk, este género inicialmente literario basa su identidad en la tecnología del siglo XIX, una era -normalmente británica y victoriana- dominada por el vapor y el carbón e iluminada por los primeros pasos de la electricidad. Bien como realidades alternativas en las que los descubrimientos científicos han seguido un camino diferente -el de la mecánica frente a la electrónica-, o bien como relatos del más puro y genuino laissez-faire imperialista, el steampunk se materializa en historias oscuras, distópicas y a veces simplemente nostálgicas de tiempos más poderosos y emprendedores.

Hijo tardío de los Voyages Extraordinaires de Verne y los relatos cientifistas de H.G. Wells, el steampunk nacido en los 80 se ha desarrollado durante los últimos años hasta convertirse en lo que algunos consideran un estilo de vida en el que las gafas protectoras (goggles) no pueden faltar. Películas (algunas de menos calidad que otras) como El Castillo Ambulante, Wild Wild West o Steamboy, libros como La estación de la calle Perdido o la trilogía de La Materia Oscura -en la que los zeppelines son tecnología punta en cuanto a transporte aéreo-, La Liga de los Hombres Extraordinarios (Alan Moore) y El Increíble Cabeza de Tornillo (Mignola) en el mundo del cómic e incluso grupos de música como Abney Park o Vernian Process han dado vida a todo un universo que se expande a medida que bebe de otras fuentes -la vasta herencia de Lovecraft como una de las más reconocibles-.

No sería extraño descubrir tendencias steampunk en la moda y el diseño del futuro cercano, proceso que ya está asomando la cabeza. Vivimos en unos tiempos que comienzan a revivir los 90, y la absorción de ideas de cualquier sitio -sobre todo si se trata de culturas “alternativas”- es nuestro pan de cada día. Veremos quién será el primero en comprarse una lámpara de queroseno.

La historia narra cómo Laura (Belén Rueda) vuelve con su marido Carlos (Fernando Cayo) y su hijo Simon a la casa donde se crió de pequeña con la intención de establecer una residencia para niños discapacitados. La casa cuenta con todos los elementos clave para representar el centro de terror principal: grandes dimensiones, varios pisos, antigüedad y situada bien lejos de la civilización. Una vez asentados en su nuevo hogar, empezamos a conocer los juegos de Simon, cuya principal actividad es relacionarse con sus amigos imaginarios, hecho al que Laura y su marido quieren quitar importancia por tratarse de cosas de críos. No obstante, los juegos de su hijo cada vez se van haciendo más intensos y “reales”, hasta que Laura comienza a preocuparse y empieza a introducirse en la fantasía de Simon.

La cinta está francamente bien rodada, con una fotografía y unos escenarios muy preparados que ayudan a entrar en la atmósfera que el director quiere crear alrededor de su historia. Tal vez se perciban altibajos a lo largo de su proyección,
dado que hay diferencias importantes de intensidad en muchas escenas de la película, pero en general el interés se mantiene a flote. En cuanto a los intérpretes, creo que Belén Rueda hace un papel sensacional y sin duda lleva todo el peso del filme a sus espaldas a través de una convicción en su personaje que bien merecerá el Goya a mejor actriz. No puedo decir lo mismo del resto de actores que no transmiten nada más allá de su propia aparición en escena. Fernando Cayo se queda bastante corto y en ningún momento resulta muy expresivo, pese a que oportunidades no le faltan. Seguramente esto tenga bastante que ver con el hecho de que el guión tiene algún que otro agujero insalvable, como por ejemplo la ausencia casi absoluta de profundidad en cómo afecta a la relación de Carlos y Laura la desaparición de su hijo.

En cuanto a los minutos de Geraldine Chaplin se puede decir que resultan a la vez graciosos y extraños. Las escenas de la médium se tornan interesantes al principio pero dejan bastante que desear en cuanto a la resolución de diálogos que se mantiene en las mismas. Aun así, la elegancia que otorga la presencia de esta actriz al filme es en mi opinión, indiscutible.

Por último, cabe destacar que el trabajo de este director está claramente influenciado por ciertas películas, lo cual no es negativo en absoluto, pero sinceramente espero poder ver dentro de unos años un estilo más personal. El Orfanato se alimenta no sin cierto descaro de captura de ideas y guiños a filmes como “Los Otros”, “Viernes 13″, “Polttergeist”, “The Haunting” o “E.T”. pero siempre de forma magistral.

En conclusión, es un filme que ofrece entretenimiento de calidad a cambio de no mostrarnos nada especialmente original, pero que sin duda representa un fabuloso comienzo para la carrera de este joven director.

Uno de ellos, reciente campeón de dos mundiales consecutivos, fue contratado a base de talonario para ganar el siguiente, y contra todo pronóstico, a mitad de temporada los mismos que firmaron los billetes se arrepintieron de su elección. Había un gran motivo detrás: las cosas estaban saliendo infinítamente mejor de lo esperado con el rookie del equipo, Lewis Hamilton, un piloto fuera de serie que venía de ganarlo todo en categorías inferiores y que parecía no perder el ritmo en la categoría reina. Era demasiado tentador. Si ese gran piloto inglés, durante tantos años apadrinado deportivamente por McLaren, lograba el título mundial el año de su debut, la gloria para el equipo y para su máximo responsable deportivo, Ron Dennis, sería incalculable.

La apuesta se hizo. Y precipitadamente. Hoy la fortuna y los errores han dictado sentencia. Lejos de ganarlo Ferrari, que bien lo merece, McLaren ha perdido un mundial que tuvo en sus manos durante mucho tiempo. Lo tuvo y no lo retuvo por no saber gestionar sus recursos, por no saber poner cada cosa en su sitio y dar a cada cual su merecido. La crisis interna vivida durante este año ha desembocado en las peores previsiones, y ha llegado el momento de ser consecuentes. Si un empleado falla, su jefe debe actuar sobre él. Y si un jefe falla, debe dimitir. Hoy Ron Dennis debe dimitir.

Tal vez una de las razones por las que recibí a “La habitación perdida” con los brazos abiertos fue precisamente saber que la serie, mini-serie en este caso, estaba terminada. Dirigida por Craig R. Baxley y Michael W. Watkins y protagonizada por el actor Peter Krause (Six feet under) consta de 6 capítulos de 40 minutos de duración cada uno.

El argumento se centra en el súbito cambio que sufre la vida del detective Joe Miller al encontrar por casualidad una llave que tiene la capacidad de abrir cualquier puerta que tenga cerrojo y trasladar a su poseedor a una misteriosa habitación de motel. Dicha habitación contenía además una serie de objetos de uso cotidiano, todos ellos con características especiales, que ahora mismo se encuentran repartidos por el mundo en manos de gente de lo más variopinta. Tal y como cabía esperar, existen organizaciones que saben de la existencia de estos “objetos maravillosos” y cuyo objetivo es obtener poder a través de ellos. Mientras tanto, el protagonista se ve involucrado en esa lucha de forma involuntaria ya que la llave que posee es anhelada por muchos. Como toque dramático y mecanismo definitivo para que el detective quede atrapado en ese juego de persecuciones pierde a su hija pequeña en la habitación del motel, por lo que moverá cielo y tierra hasta encontrarla. Pese a que ésto último suene algo recurrente, la miniserie está dotada de una gran originalidad que el espectador sin duda agradecerá.

La interpretación de Peter Krause es buena, sin espectaculares actuaciones ni demasiados matices pero dándole en todo momento la credibilidad necesaria. Lo que más me convence es que no representa al estereotipo de detective duro a quien nada ni nadie pilla desprevenido, sino a una persona normal que, llegado el momento, es capaz de arriesgarse y sobreponerse a las adversidades. En cuanto al resto de actores podría decirse que cumplen con su cometido. Siendo algo más crítico, los diálogos no están igual de trabajados en todas las escenas, dando lugar a frases planas repetitivas que al final pueden llegar a cansar. Aún así, el ritmo de los episodios es tan alto a nivel de acontecimientos que es fácil quedarse atrapado en su historia y querer ver el siguiente capítulo lo antes posible. La puesta en escena está muy cuidada, demostrando que poco o nada tiene que envidiar a la industria cinematográfica, algo que cada vez es más común en las series actuales. Desde el primer capítulo hasta el último, consigue su objetivo: mantenernos atentos, entretenidos y con ganas de saber más. Y en ese aspecto no se le puede reprochar nada, porque el cometido de esta serie no es otro que ése, quedando fuera de su competencia otro tipo de temática profunda o que invite a la reflexión.

Nos encontramos frente a una mini-serie que tiene un comienzo prometedor, un nudo interesante y entretenido y un desenlace algo insípido. Y es que el final es polémico en todas sus facetas, por mi parte creo que una serie de tan corta duración no puede concluir de esa manera, dejando tantas preguntas sin respuesta, algunas de ellas vitales para entender la propia historia. Pero viendo el panorama actual de series, podemos ir acostumbrándonos, pues parece que dejar al espectador con la eterna incógnita forma parte de la dinámica de los guionistas de hoy en día.

Recomendable 100%.

Lo peor de todo lo que se vió el sábado en el Euskalduna es que quien menos lo merecía logró su objetivo: abucheo y titulares. Qué merecido habría tenido el señor Peter Konwitschny un silencio absoluto, de esos que pesan como una losa y convierten en ridículo el saludo final. Pero claro, eso es difícil de lograr. Si uno se calla se arriesga a que prevalezcan los mínimos aplausos que siempre hay, bien por aprobación o por pasotismo. Mi respuesta al insulto escénico ofrecido es que no hablaré de la labor de este hombre, que tiene cosas buenas pero que se empeña en mezclarlas con provocaciones absurdas sin otro objetivo que el protagonismo personal. Sé que la repercusión de esto es absolutamente nula, pero es lo único que puedo hacer.

El inusual programa doble de esta apertura de temporada arrancó con un Castillo de Barba Azul de gran nivel. Ildiko Komlosi (Judith) y Alan Held (Barba Azul) se entregaron a sus roles de forma brillante, consiguiendo junto a Juanjo Mena y la Orquesta Sinfónica de Bilbao momentos de verdadera belleza. No es Barba Azul una ópera que me entusiasme, pero hay que reconocer que cuanto más se escucha más se disfrutan algunos de sus momentos, como la espectacular apertura de la quinta puerta o la música que acompaña la entrada de las tres esposas. La función contó además con una buena producción de Michal Znaniecki, que sumó el mérito de someterse a una economía de medios y espacio muy limitada por la necesidad de compartir noche con un cabeza de cartel. Cambiar a Barba Azul por un enfermo mental y a Judith por una enfermera de psiquiátrico algo desequilibrada es perfectamente válido, y demuestra que en la ópera se puede innovar sin ofender ni destruir.

El elenco vocal de la polémica Elektra mereció el protagonismo absoluto de la noche, pero mucho me temo que su labor quedará injustamente ensombrecida. Dentro del altísimo nivel general, la Elektra de Janice Baird acumuló el mayor número de peros. Sensacional en las partes más exigentes por arriba, con agudos impecables, pero prácticamente inaudible en la zona grave. Se notó especialmente en su primera escena, con un monólogo bastante discreto. A partir de entonces no hizo otra cosa que mejorar, estando realmente maravillosa en el pasaje lírico de su encuentro con Orestes. También se echó en falta una actuación escénica más entregada, particularmente en lo que se refiere a transmitir con el cuerpo, algo en lo que su compañera Angela Denoke (Chrysothemis) es toda una especialista. La Denoke estuvo impecable en todos los sentidos, con su exquisita voz habitual y con una interpretación perfecta que transmitió en todo momento la personalidad miedosa, dulce, infeliz y soñadora de su papel. Ejemplar la Klytämnestra de Reinhild Runkel, demostrada especialista en el rol con unas tablas envidiables y un poderío vocal sorprendente. Fue una vieja con color de vieja, con la maldad necesaria y hasta con toques cómicos sólo concebibles en esta producción. Alan Held doblaba la noche con un Orestes intachable, en el que pudo dar rienda suelta a sus dotes de actor expresivo, algo difícil en el reservado Barba Azul pero que muchos ya recordábamos de aquel genial Leporello de hace dos años. El marido de la Denoke, David Kuebler, firmó un correcto Egisto, y entre los comprimarios destacaron las voces de Mikeldi Atxalandabaso y Francisca Beaumont frente al espanto habitual e incomprensible de Alberto Feria. Juanjo Mena dirigió a la Orquesta Sinfónica de Bilbao con intensidad y mucho volúmen, tal vez demasiado, pero en cualquier caso logró una actuación sorprendente respecto al ensayo general y desde luego que a la altura de las circunstancias. No todos pueden decir lo mismo.

Me sentía incapaz de mover un solo músculo. Mi barbilla se había aferrado fuertemente a la barandilla tapizada que me separaba, lejos, del escenario. Me dolía la mandíbula de apretar los dientes durante tanto tiempo, pero no me importaba lo más mínimo. No podía moverme y tampoco quería hacerlo. Temía que cualquier cambio de postura rompiera la magia que se había creado. A cualquier impertinencia habría respondido con una bofetada, sin sentirme culpable ni un instante. Nadie tenía derecho a sacarme de ahí. La atmósfera era única. Todos los elementos que hacen de la ópera un espectáculo total se habían juntado para conseguirlo. La escena, oscura, cobijaba a un Tristán colérico que moría enloquecido con la idea de volver a ver por un instante a la única mujer que le mantenía con vida. Una hora de agonía, de dolor, de locura y de nostalgia. Una hora de atletismo vocal indescriptible que me sumía en la experiencia musical más intensa de mi corta vida, por imperfecta que fuera. El liebstood final de Isolda pasó de ser una página bellísima a un colofón de música explosiva imposible de narrar. No había asistido a la mejor función de Tristán e Isolda, pero poco me importaba. En esos momentos no había lugar para la frialdad. Ni para la crítica. Era mi primer Tristán y mi comunión definitiva con Wagner. Quería compartirlo. Me habría gustado parar el mundo por un instante y que todos supieran que acababa de vivir algo único. Y sin embargo no encontraba las palabras. Cualquier expresión quedaba muy por debajo de lo que sentía. Qué cortas se quedan las palabras a veces, y qué grande es la música.

Age of Conan: Hyborian Adventures es un prometedor proyecto basado en los libros escritos por Robert E.Howard que pretende ser una de las referencias de la próxima generación de juegos multijugador de mundo persistente.

Lo primero que llama la atención de este juego es que sus creadores han querido “salirse del molde” de este género y plantear una serie de nuevos y atractivos elementos a los que no estamos acostumbrados. De esta manera, el sistema de combate ha sido implementado para actuar como un sistema de tiempo real y cuenta con importantes innovaciones. Por ejemplo, ya no tendremos que seleccionar un objetivo y pulsar un botón o hacer click en un icono para atacarlo. Este sistema, utilizado por la mayoría de juegos del género, tiene un efecto negativo sobre la habilidad de los jugadores y acaba mermando sus reflejos, dejando un mayor protagonismo al equipo y en consecuencia haciendo casi imposible un enfrentamiento nivelado entre un casual-player y un hardcore-player. En AoC el jugador tendrá que valerse de su destreza para llevar a cabo los diferentes combos y ataques mediante movimientos de ratón en tiempo real, lo que supondrá un sistema de combate mucho más dinámico y divertido que el clásico “click-click” o la eternamente idéntica “secuencia de key-bindings” que en otros juegos nos daba la victoria de forma sencilla y carente de emoción. Incluso si nuestro personaje es arquero tendremos que tensar el arco y apuntar manualmente a nuestro objetivo, lo que dependiendo de la situación puede resultar más que complicado. Dicho sea de paso, podremos combatir desde nuestras monturas, algo que traía de serie el mítico UO (Ultima Online) pero que se les pareció olvidar en el desván a la mayoría de sus sucesores. En cuanto a la magia, también nos encontramos con un nuevo e interesante concepto denominado “spellweaving“, mediante el cual podremos fusionar varios hechizos en uno más poderoso que a su vez tendrá más riesgo de dañar a quien lo realice, lo que obliga a los jugadores que utilicen magia a controlarla como un don peligroso y no como un recurso limitado sin significado.

También destaca la mezcla de juego multijugador y modo historia que han propuesto puesto que los jugadores ya no se limitaran a hablar con los NPCs (personajes no jugadores) para pedirles misiones o recompensas, sino que existirá una interacción como la que estamos acostumbrados a ver en juegos para un jugador, donde podemos seleccionar varias opciones para dialogar y veremos pequeños vídeos de escenas acontecidas en las historias que nos relaten. Además de esto, los NPCs contarán con una elaborada IA (Inteligencia Artificial) que les distinguirá de otros juegos donde son poco más que muñecos fijos con un repertorio de 2 frases. Un herrero que se sienta cansado cuando empiece a anochecer puede cerrar su tienda e irse a casa a dormir, lo que ayuda bastante en la sensación de realismo. En mi opinión todo esto le suma muchos puntos ya que es un aspecto en el que sinceramente creo que los MMORPG flojeaban.

En cuanto a los tipos de personajes existentes, habrá 3 civilizaciones bien diferenciadas, aunque en un futuro tienen pensado añadir más: Cimmeria, Aquilonia y Estigia. Cada una proporcionará una serie de clases a elegir entre los 4 arquetipos principales: soldado, sacerdote, mago y pícaro. A nivel 20 elegiremos nuestra verdadera vocación entre 14 clases. Como viene siendo común en estos juegos, habrá todo un sistema de clanes o guilds, los cuales con los recursos suficientes podrán edificar sus propias ciudades y fortalezas.

AoC es un juego que utiliza una tecnología bastante avanzada a nivel gráfico, de hecho Funcom está colaborando activamente con Microsoft para que su juego funcione a la perfección sobre Windows Vista y aproveche todas las capacidades de éste. El nivel de detalle será bastante espectacular gracias a que va a tener soporte para DirectX 10, pero, afortunadamente para muchos, también será compatible con DirectX 9. Los requisitos del juego para jugar no han sido revelados oficialmente, pero viendo alguno de los vídeos nos podemos hacer a la idea de que necesitaremos una buena máquina para tirar fluidamente del Rey Conan&Cía. La fecha de lanzamiento ha sido recientemente retrasada al 25 de Marzo del 2008 y aunque algunos ya nos hemos llevado las manos a la cabeza, probablemente haya sido una decisión más que correcta por parte de la compañía.

Aquí dejo algún enlace a vídeos interesantes:

Tráiler oficial
Vídeo de introducción
Vídeo recopilatorio

¡Nos veremos por Hyboria!

Sobre el papel no se podía augurar precisamente un éxito. El cartel de jóvenes desconocidos junto al consagrado Roberto Scandiuzzi daba que pensar. No hace falta meterse en cuentas para entender que el dinero no da para todo, y que cuando se hace un desembolso importante por un lado es necesario recortar por el otro. En este caso se recortó por todo lo que no fue él.

Y así salieron las cosas. Una Sonnambula para el olvido, o para el recuerdo de las malas noches, como se quiera. Clamoroso error de reparto (¿imposición?) el de Diletta Rizzo Marin, hija de Scandiuzzi, para protagonizar una ópera que pide a gritos una soprano lírico-ligera y no una soubrette insegura, sin volúmen y a medio hacer. Cantar con gusto no es suficiente mérito para tener el lujo de protagonizar a los veintitrés años, a menos que lo hagas junto a tu padre. El bajo italiano ofreció la mejor voz con mucho, recreando un Conde Rodolfo inteligente y honrado, aunque algo seco y corto de lirismo al abordar su gran aria. Tampoco convenció la inversión de la noche. Muy decepcionante la actuación del joven Shalva Mukeria, del que no se esperaba una gran línea pero sí agudos para dar y tomar. Finalmente nos quedamos sin una cosa y sin la otra. Agudos esquivados en su primer dúo, interpretación plana, frases acortadas y muchos problemas de afinación en sus últimas escenas. Un futuro a la vista muy distinto del que se pudo ver en su Duque de Mantua de Bilbao el pasado octubre. Cerraba el cuarteto una desenvuelta y acertada Sandra Pastrana, que gustó hasta que llegó su momento más comprometido en el último acto, coronado con sobreagudos tirantes y víctimas del falsete. Tampoco levantó el vuelo la labor de los comprimarios, con una Marina Pardo al frente que parece empeñada en seguir los dictados lingüísticos de la Sutherland.

La noche tampoco estuvo a la altura en lo que a dirección se refiere. La propuesta escénica de Hugo de Ana no hizo sino repetir la eterna fórmula de la colina verde y el camisón blanco, esta vez acompañados por un vestuario general muy duro a la vista y un trabajo de iluminación de lo más rutinario. Dirección escénica en la misma línea: conservadora y sin originalidad, limitando la labor del coro a mantenerse al fondo y dejar que todo ocurra. Tampoco fue la mejor noche del Coro Intermezzo, aunque ni ellos ni la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias podrían estar muy motivados a las órdenes de un maestro como Ottavio Marino, empeñado en frenar el dinamismo de esta ópera con tiempos lentos e injustificados. Un broche de oro para una noche en la que todo salió mal y nada fue por casualidad.

Fábulas.

Los personajes de cuentos infantiles y del folklore popular han sido desterrados de su mundo mágico por un temible enemigo, del que sólo conocemos su sobrenombre: El Adversario. Pero las “fábulas” no se han dado por vencidas y han establecido una comunidad secreta entre nosotros, Fabletown, cuya sede está en el mismo centro de Manhattan, donde residen todas aquellas que pueden guardar una apariencia humana y pasar desapercibidos entre los que ellas llaman “mundanos” o “mundies”. Por otra parte, aquellas fábulas que no tienen aspecto humano ni pueden conseguirlo permanecen en las afueras de Nueva York en un sitio denominado “La Granja”.

Impuestos, alcalde, policía… las fábulas han establecido un auto-gobierno para organizarse hasta que llegue el ansiado momento de hacer frente al enemigo y recuperar todas sus tierras y posesiones. Incluso se hizo una amnistía para aquellas fábulas que hubieran cometido fechorías en el pasado pero están dispuestas a colaborar en el presente (véase el ejemplo de Lobo Feroz) Si bien es cierto que los personajes mencionados hasta el momento son de sobra conocidos por todos, hay otros que merecen más presentación, pues el autor Bill Willingham utiliza a varios protagonistas de cuentos británicos como el Rey Cole, alcalde electo de Fabletown, Rosa Roja, hermana gemela de Blanca Nieves, o Barba Azul, un noble y experto espadachín que tiene por costumbre asesinar a sus esposas en la noche de bodas. A lo largo de la serie conoceremos los entresijos, historias y formas de ser de todos estos personajes que en rara ocasión coinciden con la idea preconcebida que tenemos sobre ellos (el Príncipe Azul, un crápula mujeriego y parasitario, es una buena muestra de ello).

Uno de los puntos fuertes de esta colección es su diversidad de géneros. No se limita a uno, sino que va alternando en cada historia adaptándose a la situación: podemos encontrar desde el género policiaco y criminal hasta la historia de fantasía, pasando por un thriller político o un drama amoroso. La originalidad del argumento y lo bien tratados que están los arcos argumentales han elevado a la colección a la cima y la han convertido en uno de los estandartes actuales de la línea Vértigo (DC), y ya ha tenido algunas comparaciones con obras de la talla de Sandman o Promethea. Por si cabía alguna duda, fue nominado a varios premios Eisner, de los cuales ganó los correspondientes a Mejor Historia, Mejor Serie Nueva y Mejor Serie Regular.

Poco más que decir queda, aparte de animarte a olvidar por un momento las inocentes historias que te contaron de niño y a adentrarte en la cruda realidad de Fábulas.

Lo más sorprendente del filme, aparte del pelo naranja -y las supuestas cintas térmicas- de Leeloo (Milla Jovovich), el profetizado quinto elemento, es su tendencia a la autoparodia, lo que muchos tomarán erróneamente por humor facilón. Porque lo cierto es que El Quinto Elemento no sobrevivirá al paso del tiempo como un clásico de la ciencia ficción, ni lo busca: las retransmisiones radiofónicas de Ruby Rhod, la hortera opulencia del paraíso Fhloston, la neblinosa base de los rascacielos de Nueva York, los mercenarios feos y estúpidos y el malo malísimo (que responde al nombre de Jean-Baptiste Emanuel Zorg), rastrero y consciente de su condición, entre un larguísimo etcétera, jamás intentan aparentar dignidad cinematográfica… ni mucho menos.

Luc Besson dirige un circo totalmente desorganizado, engendrado en la grandeza de los diseños del genial Moebius y muchas veces sacado directamente de escenas de su obra El Incal. Nos ofrece el inevitable choque entre el bien y el mal, defendidos uno y otro por tanta gente a la vez que el héroe (Bruce Willis) y el villano (Gary Oldman) ni siquiera llegan a encontrarse cara a cara. Distopía cómica sin ánimo moralista y cargada con un valor visual incuestionable, El Quinto Elemento no nos cuenta nada nuevo pero, si no de otra forma, sí con una relajante indiferencia que deja a cada uno ver lo que quiera en ella.

Bergman sitúa, mediante múltiples símbolos, las preocupaciones existenciales de mediados del siglo XX (1957, para ser exactos) en medio de la epidemia de la peste negra que asoló Europa durante el siglo XIV, una época en la que el encuentro con la muerte era diario y existían formas más o menos dignas de sobrellevar la inevitable verdad. Antonius recibe la visita de la Muerte (que da una grima razonable), quien accede a jugarse la permanencia del cruzado en la tierra en una partida de ajedrez. Durante esta prórroga, Antonius comenzará la búsqueda incansable del sentido de la vida y tratará de alcanzar la serenidad ante la naturaleza desesperadamente incognoscible de Dios.

El séptimo sello, una producción no tanto histórica como filosófica, no deja precisamente muy buen cuerpo, pero es otro más de esos clásicos obligatorios para los que quieren quedar bien en conversaciones de tinte profundo. Buenos diálogos y grandes imágenes, con el añadido encanto del blanco y negro y el (muy, pero que muy) sutil humor sueco.

El Señor de las Moscas (uno de los muchos nombres del Diablo) retrata con detalle la evolución de un grupo de estudiantes que, supervivientes de un accidente de avión, se encuentran solos e incomunicados en una isla desierta. La isla significa, en un principio, el paraíso: fruta, playas de agua caliente, caracolas, sol y total ausencia de adultos. Los niños son presa de la euforia y la ilusión de ser aventureros y cazadores, libres de crear sus propias reglas.

Poco a poco, nada de lo planeado por Ralph -el líder natural- y Piggy -su gafoso y rechoncho consejero- parecerá ir por buen camino. La ira, la envida, el odio y las emociones más primitivas son liberadas en este lugar aislado y salvaje. La lucha por la supervivencia y las ansias de poder se abrirán camino sin obstáculos en el mundo simplificado (y a veces irracional) de la infancia, en un escenario que parece invitar a la violencia y al derramamiento de sangre.

Plagada de símbolos, de imágenes casi vivas y de descripciones que nos transportan a lo más profundo de la mente de los protagonistas, esta novela nos advierte de lo cerca que está la cordura humana de la parte oscura de nuestra alma. La ciudad, con su asfalto y su luz eléctrica, camufla los instintos más primarios que -con más peligro en la naturaleza de los niños- esperan, agazapados, el momento de atacar.